Taylor Swift, Beyoncé, José Feliciano y más al Registro Nacional de Grabaciones en 2026: Lista completa

Sello: Victor

Productor: Spike Jones

Pico en Best Selling Retail Records: No. 4

Grammys ganados: Precede a los Grammys

La Biblioteca del Congreso dice: “‘Cocktails for Two’ ya era un clásico romántico bien establecido en 1944, lo que lo hacía un objetivo más que justo para que Spike Jones and His City Slickers lo reinterpretaran con todo su arsenal de campanas, tablas de lavar, gritos, hipos y sonidos de burla, entregados a un ritmo vertiginoso acompañado por el canto relajado del vocalista Carl Grayson. Para cuando la banda lanzó el sencillo al público la última semana de 1944, ‘Cocktails for Two’ había estado en su repertorio durante casi un año y era una pieza clave en sus presentaciones, incluyendo transmisiones radiales nacionales. El lanzamiento se retrasó debido a la huelga de la Federación Estadounidense de Músicos contra las discográficas estadounidenses, que comenzó en 1942. Para cuando el sello discográfico de la banda, RCA Victor, resolvió la disputa en noviembre de 1944, la demanda pública por ‘Cocktails for Two’ garantizó que sería uno de los temas que Jones y compañía grabarían en su primera sesión de grabación después de la huelga y lo lanzarían de inmediato. Se convirtió en uno de los mayores éxitos de 1945 y en una canción emblemática para Jones y su grupo.”

Sello: RCA Victor

Productor: Desconocido

Pico en los charts: No entró en las listas

Grammys ganados: Precede a los Grammys

La Biblioteca del Congreso dice: “Aunque ya cuenta con más de 75 años de antigüedad, el ritmo vivaz, enérgico y contagioso del éxito latino de Pérez Prado suena hoy tan fresco como el día en que fue compuesto. La obra fue creada en 1949 por el compositor, pianista y director de orquesta de origen cubano; el éxito mundial de su grabación de 1950 le valió el título de ‘El Rey del Mambo’. Prado se mantuvo como una fuerza creativa e interpretativa en todo Estados Unidos y América Latina hasta bien entrada la década de 1980, antes de fallecer en 1989. Demasiado bueno para permanecer inédito u oculto, el ‘Mambo’ de Prado cobró una segunda vida cuando, en 1999, Lou Bega sampleó la estructura principal de la canción (conservando su título) para su fenomenal éxito internacional, ‘Mambo No. 5 (A Little Bit of…)’”.

Sello: Atlantic

Productores: Ahmet Ertegun & Herb Abramson

Pico en la lista Selling Retail Rhythm & Blues Records: No. 1 (11 semanas)

Grammys ganados: Precede a los Grammys

La Biblioteca del Congreso dice: “Hija de un director de coro, Ruth Brown probó las mieles de la fama por primera vez cuando ganó la Amateur Night en el célebre Teatro Apollo de Nueva York, siendo aún adolescente. En 1949, Ahmet Ertegun la firmó para Atlantic Records y, poco después, comenzó a grabar una serie de conmovedoras canciones de desamor y baladas. Sin embargo, este lanzamiento de 1950 supuso un cambio radical en su trayectoria. Con un ritmo acelerado, un estilo swing y un marcado contratiempo, tanto la canción de Brown como su interpretación han sido aclamadas como un punto de inflexión feminista en la música estadounidense. Desde entonces, Brown ha sido reconocida también como un eslabón fundamental en la evolución artística que va desde Ma Rainey y Bessie Smith hasta figuras como Etta James y Big Mama Thornton. El éxito de ‘Teardrops from My Eyes’ la consolidó como la artista de Atlantic con mayor regularidad en la creación de éxitos durante los años siguientes”.

Sello: Decca

Arranglista/director: Don Costa

Pico en los charts: No entró en las listas

Grammys ganados: Precede a los Grammys

La Biblioteca del Congreso dice: “A principios de 1954, Kaye Ballard, de 29 años, era una artista experimentada y muy conocida por el público del cabaret Blue Angel de Nueva York, aunque distaba mucho de ser un nombre familiar para todos. Descrita por la columnista Dorothy Kilgallen como ‘una comediante grácilmente desgarbada’, su currículum incluía una etapa junto a Spike Jones and His City Slickers, donde se desempeñó como cantante, bailarina, flautista y tubista. En 1954, fue seleccionada para formar parte del elenco del musical off-Broadway The Golden Apple, una alocada reinterpretación de la leyenda de Ulises y Helena de Troya, ambientada alrededor del año 1900 en la región productora de manzanas del estado de Washington. Ballard interpretó a Helena como una vamp de pueblo pequeño, y su número estelar fue la sensual canción ‘Lazy Afternoon’. The Golden Apple resultó ser un éxito y marcó el despegue definitivo de la popularidad de Ballard. El 2 de abril de 1954, apenas tres semanas después del estreno del espectáculo, grabó ‘Lazy Afternoon’ como sencillo para el sello discográfico Decca. Para la cara B, eligió ‘In Other Words’, compuesta por el pianista y maestro de ceremonias del Blue Angel, Bart Howard. A lo largo de los años, la canción ha sido grabada por artistas de la talla de Frank Sinatra, Mabel Mercer, Peggy Lee, Johnny Mathis y Bobby Womack, y ha sido retitulada ‘Fly Me to the Moon’, que corresponde al primer verso de la letra. Durante el resto de su extensa carrera, Ballard rara vez interpretó temas tan abiertamente románticos; sin embargo, su interpretación de este clásico sigue destacando hoy en día por la profundidad, la calidez y la capacidad de asombro que supo infundirle”.

Sello: ABC-Paramount

Productor: Don Costa

Pico en el Hot 100: No. 2

Nominaciones al Grammy: Ninguna

La Biblioteca del Congreso dice: “La primera generación de vocalistas masculinos de estilo suave y melódico — entre los que se contaban Frank Sinatra, Dean Martin y Tony Bennett — encontró a uno de sus primeros y más dignos sucesores en la figura de Paul Anka. Anka tenía apenas 17 años cuando ofreció al mundo este tema, que pronto se convertiría en un estándar musical, basado en uno de los lamentos más hermosos. Aunque la canción — producida originalmente por Don Costa — posee un innegable aire de doo-wop, ha sido posteriormente acogida por el público del pop y de la música ligera, manteniendo siempre intacto el romanticismo subyacente del tema. Tras la versión de Anka, The Lettermen, Leif Garrett e incluso Doja Cat crearon versiones propias o samplearon su encantadora melodía. Mientras tanto, Anka añadió ‘Put Your Head on My Shoulder’ como una nueva joya a su ya impresionante corona de canciones de serenata, la cual incluía temas como ‘Lonely Boy’ y ‘Diana’”.

Sello: Impulse!

Productor: Creed Taylor

Pico en el Billboard 200: No entró al chart

Nominaciones al Grammy: Ninguna

La Biblioteca del Congreso dice: “Aunque solo tenía 29 años en aquel entonces, el saxofonista Oliver Nelson (1932–1975) ya estaba plenamente consolidado como compositor, arreglista, solista y director de banda de jazz cuando grabó este innovador álbum en un solo día, en febrero de 1961. Su grupo incluía al pianista Bill Evans, al trompetista Freddie Hubbard, al baterista Roy Haynes, al bajista Paul Chambers, al saxofonista alto y flautista Eric Dolphy, y al saxofonista barítono George Barrow. En las notas del disco, Nelson dijo que las seis composiciones del álbum estaban influenciadas por los acordes y la estructura de ‘I Got Rhythm’ de Gershwin, obra que había servido como punto de referencia para los músicos de bebop durante muchos años, así como para los intérpretes de blues. El creciente interés por el blues tradicional y la música folk que caracterizó a aquella época impregna muchos de los temas del álbum, tales como ‘Stolen Moments’, ‘Hoe Down’ y ‘Teenie’s Blues’, pero los arreglos, el trabajo de conjunto y las improvisaciones solistas representan lo mejor del jazz de aquel momento y conservan su impacto hasta el día de hoy”.

Sello: ABC-Paramount

Productor: Sid Feller

Pico en el Billboard 200: No. 1 (14 semanas)

Nominaciones al Grammy: Album del año

La Biblioteca del Congreso dice: “En la década de 1950, Ray Charles era el artista más destacado en lo que recientemente se había bautizado como el género del rhythm and blues. Aunque en aquel entonces apenas superaba los 20 años, ya era un músico con una amplia trayectoria y un vasto abanico de intereses y gustos; así, incorporó con total fluidez elementos del jazz, el pop, el swing, el blues y el gospel en una sucesión de éxitos grabados para el sello Atlantic Records. Entre estos temas se incluían ‘I Got a Woman’, ‘Hallelujah I Love Her So’, ‘Lonely Avenue’, ‘What’d I Say’ y muchos otros. Charles había escuchado música country y western desde su infancia en Florida, sintonizando el programa Grand Ole Opry cada fin de semana e incluso tocando en una banda local de country llamada The Florida Playboys. Tras cambiar de sello discográfico a ABC/Paramount en 1959, continuó grabando sencillos de éxito, pero también aprovechó sus álbumes para ampliar su horizonte estilístico. Cuando le comunicó al productor Sid Feller su deseo de grabar un álbum de country, Feller recopiló una biblioteca de 250 canciones clásicas, de la cual Charles seleccionó una docena para grabar. El repertorio abarcaba desde la decimonónica ‘Careless Love’ hasta ‘I Can’t Stop Loving You’ de Don Gibson, que apenas cuatro años antes había sido un éxito, pero que acabaría convirtiéndose en el mayor triunfo de la carrera de Charles y en uno de los cuatro sencillos exitosos extraídos de este álbum. Si bien Modern Sounds suele describirse como un éxito de crossover, el álbum desafía cualquier intento de encasillarlo fácilmente en una única categoría y perdura como una proeza artística cuyo amplio atractivo sigue vigente”.

Sello: Columbia

Productor: Terry Melcher

Pico en el Hot 100: No. 1 (3 semanas)

Nominación al Grammy: Mejor artista nuevo

La Biblioteca del Congreso dice: “En lugar de lanzar otra versión de Bob Dylan tras el éxito de sus sencillos ‘Mr. Tambourine Man’ y ‘All I Really Want to Do’, The Byrds grabaron una versión de ‘Turn! Turn! Turn! (To Everything There Is a Season)’ para Columbia Records en 1965. Escrita por el artista folk y activista social Pete Seeger en 1959, la letra de la canción se extrajo de versículos bíblicos del Libro del Eclesiastés, observando las estaciones cambiantes de la vida: un tiempo para nacer y para morir, para llorar y para reír, de guerra y de paz. El arreglo de The Byrds fusionó con brío el folk con el rock and roll a través de los vibrantes riffs de guitarra de 12 cuerdas de Roger McGuinn, las armonías vocales de Gene Clark y David Crosby, y los ritmos vivaces del bajista Chris Hillman y del baterista Michael Clarke. Al conectar profundamente con el público en medio de la escalada de la Guerra de Vietnam y de los cambios contraculturales que se gestaban en la década de 1960, la versión de The Byrds de ‘0Turn! Turn! Turn!’ se convirtió en un éxito oportuno que escaló en los charts con un mensaje atemporal de cambio”.

Sello: Metromedia

Productor: Don Carroll

Pico en el Hot 100: No. 7 (como lado B de “Color Him Father”)

Nominaciones al Grammy: Ninguna, pero “Color Him Father” fue nominada a mejor interpretación vocal de R&B de un dúo o grupo

La Biblioteca del Congreso dice: “The Winstons era una banda de seis integrantes, sumamente talentosa pero relativamente desconocida, originaria de Washington, D.C. Interpretaban una mezcla de funk y soul con una ligera infusión de gospel. Su canción de 1969 ‘Color Him Father’ fue un gran éxito que trascendió las barreras de los géneros. Sin embargo, fue precisamente la canción que figuraba en la cara B de aquel sencillo la que les otorgó la inmortalidad, gracias a su ahora icónico break de batería de seis segundos, interpretado por el miembro de la banda Gregory Coleman, el cual se ha convertido en lo que posiblemente sea el riff musical más sampleado de la historia. Este loop de batería de gran intensidad y dinamismo rítmico, bautizado como el ‘Amen Break’, ha sido sampleado en obras de artistas como N.W.A, Salt-N-Pepa, Aphex Twin y Oasis, entre otros. Asimismo, se ha convertido en un recurso predilecto y habitual en anuncios televisivos y en todo tipo de medios audiovisuales”.

Sello: RCA

Productor: Rick Jarrard

Pico en el Hot 100: No. 6

Nominaciones al Grammy: Ninguna

La Biblioteca del Congreso dice: “Una de las pocas verdaderas canciones navideñas emblemáticas que no tiene sus orígenes en el Tin Pan Alley ni en tradiciones europeas más antiguas, ‘Feliz Navidad’ de José Feliciano ha logrado incluso superar cualquier limitación percibida de su idioma principal para ser acogida por amantes de la música y entusiastas de la Navidad en todo el mundo. El músico nacido en Puerto Rico José Feliciano irrumpió en la escena musical en 1962 y pronto captó la atención gracias a su vibrante destreza con la guitarra y su voz apasionada. En 1970, listo para lanzar un álbum navideño, Feliciano compuso ‘Feliz Navidad’ para dar inicio a su colección de favoritos de la temporada festiva. Se dice que, inmerso en un momento de nostalgia y pensando en su isla natal en aquel entonces, Feliciano creó esta entrañable pieza bilingüe. Hoy en día, esta canción se erige no solo como la obra más famosa de Feliciano dentro de su ya impresionante trayectoria, sino también como un clásico navideño indiscutible”.

“Toda mi vida solo he deseado compartir mi música y hacer felices a los demás, y me siento bendecido de haber podido hacer exactamente eso durante más de 60 años, por todo el mundo”, declaró Feliciano a la Biblioteca del Congreso. “Pero entonces inesperadamente fue ‘Feliz Navidad”, mi pequeño villancico, el que llegó para conquistar los corazones de la gente, ¡año tras año! El honor de ser incluido en el Registro Nacional de Grabaciones de la Biblioteca del Congreso supera cualquier sueño que yo hubiera podido tener, así que, desde lo más profundo de mi corazón, quiero darles las gracias a ustedes y a todos aquellos que escuchan mi música. Sinceramente, los quiero”.

La Biblioteca del Congreso dice: “El 8 de marzo de 1971, por primera vez en la historia del deporte, dos campeones de boxeo invictos se enfrentarían en una pelea por el título de peso pesado. En 1967, Muhammad Ali había sido despojado de su título por negarse a ser reclutado, pero comenzó su regreso cuando los tribunales fallaron a su favor en 197.0 Para entonces, Joe Frazier había emergido como campeón tras derrotar a una serie de contendientes. Su enfrentamiento solo podía ser visto en persona o a través de televisión de circuito cerrado en teatros y estadios. Aunque en ese momento las peleas de boxeo todavía se transmitían por radio, los promotores de la pelea declararon que no habría cobertura gratuita en vivo del evento. Cuando el sistema de radiodifusión Mutual Broadcasting System anunció su plan de emitir resúmenes de la acción de cada round, los promotores los llevaron a los tribunales, pero perdieron el caso la tarde de la pelea.

Los locutores Van Patrick y Charles King pudieron transmitir desde un hotel cerca del Madison Square Garden, ofreciendo breves resúmenes basados en informes de los servicios de noticias de los periódicos después de cada round y discutiendo los estilos y las historias de vida de ambos boxeadores. El audio del combate todavía es interesante de escuchar décadas después. Patrick y King eran periodistas altamente experimentados que habían visto pelear a Ali y Frazier en persona, junto con muchos otros grandes nombres desde la década de 1930, y sus comentarios y los de otros en la cobertura posterior a la pelea son una parte vital del registro histórico. Aunque Ali perdió la pelea, los locutores expresaron un respeto renovado por su resistencia y determinación frente a la avalancha de golpes de Frazier”.

Sello: Buddah

Productor: Tony Camillo; coproductor: Gladys Knight and the Pips

Pico en el Hot 100: No. 1 (dos semanas)

Grammys ganados: Mejor interpretación vocal de R&B de un dúo, grupo o coro

La Biblioteca del Congreso dice: “Gladys Knight, a menudo llamada la ‘Emperatriz del Soul’, junto con su increíble y renombrado grupo de apoyo vocal The Pips, alcanzaron su primer número uno con esta ahora clásica canción: una hábil mezcla de soul, rhythm and blues, gospel y narrativa al estilo country. La canción, escrita por Jim Weatherly, ha sido descrita como poseedora de un ritmo lento y deliberado, una pista sobre la cual se desarrolla la historia de la canción. La canción es un viaje, ya que aborda una variedad de temas de gran complejidad emocional: incertidumbre económica, raza, movilidad social ascendente y el poder de la elección personal, mientras nunca pierde su esencia soul y aún deja espacio para la incomparable voz de la Emperatriz. Desde su lanzamiento y éxito con una gran audiencia transversal, la canción se ha convertido en un elemento fijo tanto en el cine como en la televisión”.

Sello: Arista

Productor: Phil Ramone

Pico en el Billboard 200: No. 73

Nominaciones al Grammy: Mejor álbum de elenco de show

La Biblioteca del Congreso dice: “Impulsado por su deslumbrante resurgimiento en 1996 en el Great White Way, Chicago es ahora el musical con más tiempo en cartelera actualmente en Broadway. Pero comenzó en 1975 cuando el legendario dúo musical de John Kander y Fred Ebb convirtió en música la increíble historia real de dos delincuentes femeninas de la ciudad de Chicago en los años 20. Las leyendas del teatro Gwen Verdon y Chita Rivera protagonizaron el espectáculo como las dos criminales célebres. De manera extraordinaria, todo acerca de este show, desde el estilo de dirección de Bob Fosse hasta la completa decadencia de canciones como ‘All That Jazz’ y ‘Cell Block Tango’, fue capturado en el álbum original del elenco de Broadway”.

Sello: Epic

Productor: John Boylan

Pico en el Hot 100: No. 3

Grammys ganados: mejor interpretación vocal country de un dúo o grupo

La Biblioteca del Congreso dice: “En 1979, ‘The Devil Went Down to Georgia’ se convirtió en un gran éxito crossover, lo que le valió a Charlie Daniels tanto un Grammy como el premio al sencillo del año de la Asociación de Música Country. La canción aportó una estructura narrativa propia de la música country que retomaba el tema tradicional de las baladas folclóricas de un joven que pone a prueba su ingenio frente al mismísimo diablo, al tiempo que incorporaba elementos de instrumentación y arreglos propios tanto de las bandas de cuerdas como del rock sureño. Daniels, oriundo de Wilmington, Carolina del Norte, interpretó una gran variedad de estilos en sus inicios, aunque alcanzó su mayor éxito trabajando en los géneros del country y el rock; se fogueó como músico de sesión en Nashville y participó en la grabación del álbum Nashville Skyline de Bob Dylan. Daniels formó su banda homónima a principios de la década de 1970 y comenzó a trazar un camino influenciado por artistas del country ‘outlaw’ como Waylon Jennings, y por bandas de rock sureño como Lynyrd Skynyrd. ‘Devil’ fue un gran éxito de fusión entre el country y el pop en 1979. Aquel momento cultural quedó inmortalizado con la aparición de Daniels y su banda en la película Urban Cowboy, donde interpretaron ‘Devil’, lo cual amplió aún más su alcance entre el público mainstream”.

Sello: I.R.S.

Productores: Richard Gottehrer, Rob Freeman

Pico en el Billboard 200: No. 1 (seis semanas)

Nominación al Grammy: Mejor nuevo artista

La Biblioteca del Congreso dice: “Formado en Los Ángeles a finales de la década de 1970 y firmado por I.R.S. Records en 1981, The Go-Go’s tiene la histórica distinción de ser el grupo más perdurable que surgió de la escena new wave de la Costa Oeste de esa época y uno de los pilares de ese género. Su álbum debut Beauty and the Beat, impulsado por dos sencillos megaexitosos — ambos brillantes, efervescentes y con guitarras dinámicas: ‘Our Lips Are Sealed’ y ‘We Got the Beat’ — vendió más de 2 millones de copias, y su álbum se mantuvo en el No. 1 de las listas durante seis semanas. The Go-Go’s sigue siendo uno de los grupos de rock femeninos más exitosos de todos los tiempos, y su éxito como una banda compuesta exclusivamente por mujeres, componiendo su propio material y tocando todos sus instrumentos sentó las bases para futuras bandas lideradas por mujeres como The Bangles, Sleater-Kinney, Haim, Paramore y aquellas asociadas con el movimiento Riot Grrrl”.

Las integrantes de The Go-Go’s dijeron a la Biblioteca del Congreso que era un honor que su trabajo fuera preservado. “Me siento extremadamente honrada de ser parte de los artistas estadounidenses que están en la Biblioteca del Congreso”, dijo Belinda Carlisle. “Será increíble que dentro de 100 años alguien esté haciendo su investigación y vea a The Go-Go’s allí. Me encantaría que dentro de 100 años se mire hacia atrás y se vea cómo la personalidad de la banda fue tan importante y cómo la música fue tan importante en ese momento.”

Jane Wiedlin recordó cómo la banda abrió nuevos caminos para las mujeres en la música. “No creo que haya un sentimiento mejor que saber que las mujeres están criando a sus hijas y les están poniendo música de The Go-Go’s”, dijo. “En cuanto al legado de The Go-Go’s, el mayor logro es que rompimos el techo de cristal”.

Sello: Epic

Productores: Stevie Ray Vaughan y Double Trouble, Richard Mullen

Pico en el Billboard 200: No. 38

Nominación al Grammy: Mejor grabación de blues tradicional

La Biblioteca del Congreso dice: “La mayor parte de Texas Flood fue grabada durante una sesión de tres días en la que el cantante y guitarrista Stevie Ray Vaughan, el baterista Chris Layton y el bajista Tommy Shannon se enfrentaron entre sí y tocaron como si estuvieran en vivo. La estrategia aprovechó las habilidades que el grupo había perfeccionado tocando todas las noches en la floreciente escena de blues de Austin, donde Vaughan se había hecho conocido como un guitarrista destacado con el sentimiento del gran del blues Albert King y la asombrosa destreza de Jimi Hendrix. Las canciones más lentas del álbum, como ‘Texas Flood’ y ‘Lenny’, muestran el inimitable y robusto tono del guitarrista, que dependía en parte del uso de cuerdas muy gruesas y de configuraciones precisas de amplificadores y guitarras, conocidas solo por Vaughan. Otras canciones rinden homenaje a Hendrix (‘Testify’), Buddy Guy (‘Mary Had a Little Lamb’) y Howlin’ Wolf (‘Tell Me’). La potencia, la articulación precisa y la interpretación en conjunto de la canción más rápida del álbum, ‘Rude Mood’, deben escucharse para creerse”.

Sello: Warner Bros.

Productor: Arif Mardin

Pico en el Hot 100: No. 3

Grammys ganados: Mejor interpretación vocal de R&B, femenina; mejor canción de rhythm & blues (para Prince)

La Biblioteca del Congreso dice: “La gran Chaka Khan —ya una luminaria por su trabajo con la banda de funk Rufus y como artista solista— realmente destacó con este lanzamiento de 1984, que para muchos capturó plenamente el momento cultural en el que rhythm and blues, funk, pop y los inicios del hip-hop se entrelazaron por completo. Escrita por el multifacético Prince — quien grabó la canción él mismo en 1979 —, Khan y sus colaboradores la reimaginaron y el resultado fue un masivo éxito crossover. ‘I Feel for You’ se mantiene sólidamente junto a otros clásicos tempranos del hip-hop como ‘Rapper’s Delight’ y ‘La Di Da Di’ en su papel como un puente que llevó el vocabulario del hip-hop al mainstream. Y aunque Grandmaster Melle Mel se encarga de las partes de rap, el enfoque de la canción sigue siendo, de manera verdaderamente icónica, Chaka Khan, una vocalista a quien Aretha Franklin calificó como ‘única en su clase’. La perdurabilidad de ‘I Feel for You’ se realza aún más por la repetición/eco inteligente del propio nombre de Khan usado como una introducción contundente, que ahora también es un elemento permanente de la cultura popular”.

“‘I Feel for You’ fue un momento en el que todo convergió: el genio de Prince, la armónica de Stevie, el rap de Grandmaster Melle Mel y lo que sea que Dios puso en mí ese día”, dijo Khan a la Biblioteca del Congreso. “Que la Biblioteca del Congreso diga que esta grabación pertenece a la colección permanente del patrimonio sonoro estadounidense significa que no fue solo un éxito, fue historia. Y estoy muy agradecida de haber formado parte de ello”.

Sellos: Persona, Trax Records

Compositor/Letrista: Jamie Principle

Pico en el Hot 100: No entró al chart

Nominaciones al Grammy: Ninguna

La Biblioteca del Congreso dice: “Una grabación influyente en los mundos de la música electrónica y la cultura moderna de clubes, la ineludible pista de baile ‘Your Love’ comenzó su viaje hacia la pista de baile en 1982 gracias a la energía creativa del compositor, autor y productor de Chicago Jamie Principle. Después de ser compartida en cintas de carrete a carrete y casetes de audio, ‘Your Love’ fue publicada en el sello Persona en 1986 con una mezcla realizada por Principle y el DJ Louie Gomez. Reinterpretada por Frankie Knuckles en 1987, esta versión explosiva y ampliamente reconocida incorpora efectos musicales adicionales y contribuciones vocales de Adrienne Jett, mientras honra la esencia del remix original. El legado perdurable de la canción subraya su importancia como un artefacto cultural y una obra revolucionaria en la historia de la música house y la electrónica”.

Sello: MCA

Productores: Tony Brown, Reba McEntire

Pico en Top Country Albums: No. 2

Nominaciones al Grammy: Mejor interpretación vocal country femenina por la canción “You Lie”

La Biblioteca del Congreso dice: Trece años después de haber iniciado una extraordinaria carrera que la llevaría a formar parte del Salón de la Fama de la Música Country, Reba McEntire lanzó este álbum, una obra que la crítica suele citar como la cúspide tanto artística como comercial de su trayectoria, un trabajo en el que convergieron plenamente su capacidad narrativa interpretativa, su control vocal y su audacia temática. El álbum marcó la primera colaboración de McEntire con la legendaria figura de la producción musical country Tony Brown. Impulsados ​​por su talento compartido para seleccionar canciones excepcionales, crearon una grabación que generó cuatro exitosos sencillos, entre los que se incluyeron el tema que da título al álbum y las canciones ‘You Lie’, ‘Fallin’ Out of Love’ y ‘Fancy’. Esta última, ‘Fancy’, constituía una reinterpretación del clásico de Bobbie Gentry, cuyo renovado éxito se vio potenciado por el impactante y cinematográfico videoclip que McEntire lanzó para acompañar el tema. Hoy en día, la canción se asocia a McEntire casi tanto como a su propia compositora. El álbum alcanzaría la certificación de multiplatino y representaría un renacer para McEntire, al lograr fusionar de manera tan exitosa tanto sus profundas raíces en la música country como sus dotes teatrales”.

Sello: Columbia

Productores: Rosanne Cash, John Leventhal

Pico en Top Country Albums: No. 37

Nominaciones al Grammy: Ninguna

La Biblioteca del Congreso dice: “Rosanne Cash fue conocida primero como una artista de country en los años 70 y 80, y luego como una intérprete de folk moderno e introspectivo que luchó con sus demonios en su sombrío pero hermoso álbum de 1990, Interiors. En The Wheel, su siguiente trabajo de 1993, encontró y formó una tregua vivible entre estas dos identidades. Inspirada por el agua, el fuego, el viento y la luna, Cash creó un disco que ella misma ha llamado ‘satisfactorio y veraz’. Desde la hipnótica alegría de la canción que da título al álbum, hasta canciones siempre vivas con las letras literarias que caracterizan a Cash, The Wheel abraza el amor, la memoria y la redención. Como reflexiona en la canción ‘Seventh Avenue’: ‘Todas las historias de todas nuestras vidas no se pierden de la memoria en estas calles esta noche’”.

La Biblioteca del Congreso dice: “Originalmente lanzado en 1993, el videojuego Doom llevó una energía de heavy metal a los sistemas MS-DOS de todo el mundo, siendo al mismo tiempo pionera del popular género de disparos en primera persona. Una pieza clave en la popularidad de Doom fue la banda sonora cargada de adrenalina creada por el compositor freelance de música para videojuegos Bobby Prince. Prince, un músico de toda la vida y abogado en ejercicio, estaba fascinado por la tecnología MIDI que ganó prominencia a mediados de los 80 como un medio para el control de instrumentos y composición, un interés que lo llevó a realizar sus primeros trabajos componiendo para videojuegos. Para Doom, Prince se inspiró en una pila de CDs que le prestó el diseñador principal del juego, John Romero, que incluían obras fundamentales de Alice in Chains, Pantera y Metallica. A pesar de las limitaciones de los controladores de tarjetas de sonido de la era de 1993, Prince compuso el acompañamiento perfecto de riffs desgarradores para el viaje infernal de aniquilar demonios. Aprovechando su conocimiento de MIDI, Prince incluso trabajó para asegurarse de que los efectos de sonido que creó se destacaran sobre la música, asignándolos a diferentes frecuencias MIDI. La banda sonora de Doom inspiraría innumerables remixes y sentaría las bases para futuras generaciones de compositores de videojuegos”.

Sello: MCA Nashville

Productor: Tony Brown

Pico en Hot Country Songs: No. 14

Grammys ganados: Mejor canción country, mejor interpretación vocal country masculina

La Biblioteca del Congreso dice: “Es realmente raro que un artista lance una de sus canciones más emblemáticas casi 20 años después de haber comenzado su carrera. Pero, en el caso de Vince Gill, un pilar de la música country, esto ocurrió en 1994 con el lanzamiento de su sexto álbum de estudio, When Love Finds You, y su sexto sencillo, ‘Go Rest High on That Mountain’. Esta composición de Gill, que cuenta con coros de Ricky Skaggs y Patty Loveless, fue reconocida en su momento como una de las canciones más interpretadas del año, y ha perdurado en el tiempo. Afectado por el fallecimiento de su colega de Nashville Keith Whitley y de su propio hermano, Bob, la balada elegíaca de Gill, con sus acordes conmovedores y letra poderosa, ha resultado reconfortante y catártica para casi todos los que la escuchan. Ahora es una adición frecuente en servicios funerarios y memoriales en todo Estados Unidos y el resto del mundo. La adopción perdurable de la canción en este contexto inspiró a Gill a componer un verso adicional en 2019, que finalmente grabó en 2025”.

En una entrevista en la Biblioteca del Congreso, Vince Gill reflexionó sobre la elección de la canción. “Llevo más de 50 años componiendo canciones y, si me preguntaran directamente cuál es la única canción por la que me gustaría ser recordado, elegiría esta, sin lugar a dudas. No habría ni punto de comparación”, afirmó Gill. “En mi época de mayor éxito, fue probablemente el disco que menos repercusión tuvo en los charts; sin embargo, lo que esta canción ha llegado a significar para otras personas es lo que la hace especial para mí. La compuse mientras yo mismo atravesaba el duelo por la pérdida de mi hermano mayor. Lo cierto es que nunca tuve la intención de grabarla. Un colega con el que trabajaba, Tony Brown, escuchó la canción y me dijo: ‘Tienes que grabarla’. Yo le respondí: ‘Es un poco demasiado personal’. Y él contestó: ‘No, el mundo debería escuchar esta canción’”.

Sello: DGC

Productor: Ric Ocasek

Pico en el Billboard 200: No. 16

Nominaciones al Grammy: Ninguna

La Biblioteca del Congreso dice: “El debut homónimo de Weezer, conocido como The Blue Album, fue lanzado en 1994 durante el apogeo del grunge. Producido por Ric Ocasek de The Cars, el álbum rompió con los sonidos llenos de angustia del rock alternativo y presentó un nuevo encanto geek-rock nerd. Con éxitos icónicos como ‘Buddy Holly’, ‘Say It Ain’t So’ y ‘Undone – The Sweater Song’, el álbum es un clásico esencial y perdurable de la era del rock alternativo. Weezer continúa teniendo éxito tanto crítico como comercial y cuenta con una base de fans dedicada y multigeneracional. Hasta el 2026, Weezer (The Blue Album) sigue siendo su álbum más vendido, habiendo sido certificado triple platino”.

Sello: Columbia

Productores: Beyoncé Knowles, Christopher “Tricky” Stewart, Terius “The-Dream” Nash

Pico en el Hot 100: No. 1 (cuatro semanas)

Grammys ganados: canción del año, mejor canción de R&B, mejor interpretación vocal femenina de R&B

La Biblioteca del Congreso dice: “Solo un verdadero ícono ya conocido por tres nombres — Beyoncé, también conocida como Queen Bey y Sasha Fierce — puede crear una canción que inspiró millones de reproducciones, una frase célebre completamente nueva y su propia locura de baile al mismo tiempo. Un sencillo destacado del ya exitoso álbum de Beyoncé, I Am… Sasha Fierce (que también contiene las canciones ‘Halo’ y ‘If I Were a Boy’), ‘Single Ladies’, junto con su ahora épico video musical, se convirtió en el momento cultural de 2008 y gran parte de 2009 también. El éxito de Beyoncé fue abrazado por todas las generaciones y fanáticos de casi todos los estilos musicales”.

Sello: Big Machine

Productores: Max Martin, Taylor Swift, Shellback, Jack Antonoff, Ryan Tedder, Noel Zancanella, Ali Payami, Nathan Chapman, Imogen Heap, Mattman & Robin

Pico en el Billboard 200: No. 1 (11 semanas)

Grammys ganados: Álbum del año, mejor álbum pop vocal

La Biblioteca del Congreso dice: “En 2014, Taylor Swift ya era una de las artistas más importantes e influyentes de la música popular en todo el mundo cuando lanzó 1989, su quinto álbum de estudio. Este trabajo tomó su título del año en que nació, lo que para ella significaba un tiempo de renacimiento, no solo para sí misma en el ámbito musical mainstream, sino también porque sentía que había alcanzado su propia madurez musical. Siempre una compositora prolífica, Swift comenzó a escribir las canciones para este álbum mientras estaba de gira con su lanzamiento anterior, Red. Como lo hace tan bien, Swift utilizó las canciones de 1989 para examinar asuntos del corazón. Siete sencillos, incluyendo el favorito eterno ‘Shake It Off’, fueron lanzados de este álbum fenomenalmente exitoso”.